Kritiken

„Werner Schwabs Präsidentinnen begeistern als letzte Premiere bei den Festspielen in Reichenau.“ Regisseurin Cornelia Maria Rainer inszeniert perfekte Zahnräder und lustvollstes Theater für drei. Ein Abend, der ganz so schön hüpft wien ein Gummiball.“

„Eine Fahrt zu Festspielen Reichenau lohnt sich.“
„Das starke Stück mit starken Darstellern wurde zu Recht bejubelt.“

Indem Cornelia Rainer geschickt Geschichte und Geschichten vermischt, wechselt sie leicht in verschiedene Zeiten, und dies alles in einer beeindruckenden Kontinuität.“

Es ist eine erstaunliche Bearbeitung der Jeanne d’Arc die am CDN zur Aufführung gelang.
Die Jungfrau von Orléans wurde seit Jahrzehnten benützt, besetzt, entstellt. Die österreichische Regisseurin liefert uns mit ihrem Werk eine völlig neue Sicht: Sie verlagert das Schwert der Kämpferin in das Innenleben von vier Mädchen unserer Zeit, wo sie in abwechselnden Stimmen einen Siegeszug ihres eigenen Bewusstseins und ihrer Frage nach dem Sinn des Daseins und des Lebens beschreiten: Des Mutes und der Selbsterkenntnis. Indem Cornelia Rainer geschickt Geschichte und Geschichten vermischt, wechselt sie leicht in verschiedene Zeiten, und dies alles in einer beeindruckenden Kontinuität. Die klugen existenziellen Fragen der historischen Jeanne d’Arc werden zu Fragen der vier jungen Mädchen unserer Zeit. Der Text mutet wie ein langer Gedanke an, der gerade im Entstehen ist.

Die vielen Wahlmöglichkeiten junger Menschen von heute stoßen an das Unmögliche, sie verlieren sich in Angst und Schwindel. Was wir hier sehen, ist endlich ein wahrhaftiges lehrreiches und künstlerisch hochwertiges Programm für junge Frauen und junge Männer (mutatis mutandis). Nichts wird erzwungen, sondern alles wird in eine großen Klarheit formuliert. Die nebelhaften Umwege, die junge Menschen heute oft gehen müssen, werden zu Möglichkeiten und Erfindungen. Zahlreiche Fragen werden ungeschönt gestellt, immer mit Bedacht darauf, dass den Faden der Reflexion das Publikum selbst zu spinnen hat. Die Prämissen werden auch in der Inszenierung dafür gelegt. Eine dunkel gehaltene Inszenierung, wobei die Ausstattung immer dem Spiel der Schauspielerinnen dient und nicht umgekehrt. Die Geschichte der Jeanne d’Arc verschwindet nicht, im Gegenteil sie ist der rote Faden, und wird als Ausgangspunkt für wesentliche Fragen unserer Zeit genützt. Eine Inszenierung die es verdient in Zukunft überall gezeigt zu werden, an Theatern und Festivals, an Festen für Jeanne d’Arc, in Schulen, für junge und für erwachsene Menschen. 

„Cornelia Rainer legt eine erstaunliche Übertragung der historischen Geschichte der Jeanne d’Arc anhand eines jungen Mädchens unserer Zeit vor. Ursprünglich für ein junges Publikum geschrieben und inszeniert, ist diese Produktion mit ihren universellen Fragestellungen ein Muss für alle Generationen.“

… an Theatern und Festivals, an Festen für Jeanne d’Arc, in Schulen, für junge und für erwachsene Menschen.“

Eine gelungene emotionale Ansprache. Unter der Regie von Cornelia Rainer gelingt es der Trierer Inszenierung, die Zuschauenden emotional anzusprechen. Viele sind ergriffen nach dem tragischen Ende, obwohl es szenisch sowie im mit Untertiteln übersetzten Libretto von Anfang an klar vorgezeichnet ist und deshalb nicht überraschen kann. Vielleicht liegt es daran, dass der Produktion das Innenleben der von Siheng Yi verkörperten Butterfly als dramaturgische Leitschnur zugrunde liegt. Den Zugang zu ihrer Vorstellungswelt und Befindlichkeit eröffnen vor allem visuelle Kniffs. Eine Video-Projektion von Himmel, Wolken und Meereswellen zum Beispiel zieht hinein in die Sehnsucht, der Butterfly in der Arie “Un bel dì, vedremo“ im zweiten Akt Ausdruck gibt. Ihre Isolation verdeutlicht ein Kerker aus mehreren Lagen von Vorhängen, hinter denen die Gestalt reglos und nur schemenhaft sichtbar ist. Und Butterflys Schmerz geht mittels einer überlebensgroßen Projektion ihres Gesichts unter die Haut.

So wie Paula Köhlmeiers Texte in lakonischer, knapper, schnörkelloser und direkter Sprache kleine und große Versuche über Menschen darstellen (…), so fragmentiert die heute gleichaltrige Regisseurin Cornelia Rainer (ebenfalls Jahrgang 1982) alle 47 Prosageschichtne des Maramba Sammelbandes zu einer anderthalbstündigen experimentellen Theatercollage mit fünf Darstellern, die sich monologisierend und dialogisierend quer durch das ganze Obergeschoss des Alten Hallenbads zwischen den Zuschauerreihen und verteilten Spiellinseln zu LiveSound von Instrumenten und Technik bewegen, sich dabei in eingestreuten Videosequenzen auf vier Leinwänden spiegeln und erweitern und dabei eine solch intensive darstellerische Leistung liefern, dass das Publikum nach der Premiere vom Samstag begeisterten Riesenapplaus spendete.

Maramba das ist harter Stoff für sehr gutes Theater. Regisseurin Cornelia Rainer lässt dem Stück die Offenheit der Vorlage, führt Fäden zusammen und lässt sie doch lose und vereinzelt im Raum stehen. Die Schauspieler sind unmittelbar, sie sind direkt menschlich und ungeschönt. Kurz: Sie sind grandios.“

„Die Regisseurin von „Maramba von Paula Köhlmeier (k)ein Talent zum Glück“ hat die siebenundvierzig Prosastücke der Schriftstellerin mit den Mitteln des Theaters in eine Bühnenwelt transponiert, sie in faszinierend vielschichtige, speedige polyphone Rollensprachen umgebaut und all dieses Wortuniversum in abwechselnd atemlos hämmernden wie stillen reflexiven Mono-Dialogen inszeniert. (…) Mit Paulas Erzählungen werden wir als Zuschauer gewahr, dass man mit jeder Geschichte weniger verschwommen wird und dass wir an diesem Abend im Theater des Alten Hallenbads, wie es Cornelia Rainer in einer, ich muss es an dieser Stelle sagen, genialen Inszenierung macht, Zeugen einer bedeutenden Inszenierung werden.“

„Sie hat den Diamanten präzise geschliffen, setzt auf Spaß, vergisst aber bei all dem Happysound nie auf dessen melancholische Baseline.“

„Cornelia Rainer hat eine Adaption einer der klügsten und verführerischsten Texte geschaffen. Das Resultat ist bemerkenswert. Es gibt eine große Lebendigkeit in dieser Inszenierung. Diese Regisseurin ist zu verfolgen, denn ihr Lenz ist eine perfekt komponierte Aufführung. Die Beherrschung der Schauspielführung, alle stets im Einklang, der Einsatz der Live Musik von Julian Sartorius, die Bespielung des Bühnenbildes, welches innere Berge und Qualen des Poeten symbolisiert, machen aus dieser Aufführung einen großen Erfolg.“

„Im ständigen Gleichgewicht zwischen Intimität und kollektiver Harmonie. Indem sie sich zwischen einer existenziellen Suche und einem fast metaphysischen Thriller hin und her bewegt, vergegenwärtigt sie mit stets Sinn machender Inszenierung und Bühnenbild, Lenzens Aufenthalt im Steintal. (…) Cornelia Rainer nimmt sich Zeit für Figuren, um Beziehungen zu finden, definiert mit einer bemerkenswerten Stärke deren Persönlichkeit, manchmal verstört und doppeldeutig.(…) Ihre Textarbeit ist von seltener Beherrschung und bezeugt konsequenteste Recherchen. Und alles wird Musik. Von der Achterbahn bis hin zu den Tellern und Stühlen, bis der Abend schließlich in einem großen Finale des Schlagzeugers endet. Dann Stille.“

Unter dem wohlwollenden Blick von Cornelia Rainer findet Lenz in dieser Inszenierung eine würdige, posthume Rehabilitation.

„Cornelia Rainer, die schon bei ihrem selbstverfassten Stück HEIMFINDEVERMÖGEN, Furore machte, überhöht die Sprachlosigkeit ohne theatralische Effekte.“

„Ein Schriftsteller gefangen in seinen existenziellen Fragen, dies ist der anziehende, geheimnisvolle Vorschlag und zugleich die unermüdliche Haltung der jungen, scharfsichtigen Regisseurin Cornelia Rainer, Theaterfrau und der Musik, welche die Seelengeständnisse und die Verpflichtungen eines jeden Bürgers seiner jeweiligen Zeit anspricht, ganz gleich ob Ende es 19. oder Anfang des 21. Jahrhunderts.“

„Lustvolles Theaterstück für alle. Martin Schwab als kommentierender Dichter eröffnet das Geschehen, das am Ende in einer rasanten Gangsterjagd aufgeht. Die Geschichte vom reichen Mädchen Pünktchen und dem armen Buben Anton wurde klug in die Gegenwart verlegt. Pünktchen ist die Tochter gestresster Unternehmer, die ihr Kind zwar mit einem Flat-Screen ausstatten, aber ganz dem Kindermädchen überlassen. Anton greift in Notfällen zum Smartphone seines Freundes. Toll agieren im gut geführten Ensemble die Kinderdarsteller der Premiere, Adriana Gerstner und Florian Klingler.

„Die Bühne ist düster, weiße Linien am Boden markieren die Zimmer der Villa der wohlhabenden Fabrikantenfamilie Pogge. Irgendwie erinnert das an die „Dogma“-Bewegung von Thomas Vinterberg und Lars von Trier. Bühnenbildnerin Sarah Haas bringt damit aber das ideale Szenario für Cornelia Rainers Deutung von Kästners Roman. Pünktchen (Adriana Gerstner), die Tochter wohlhabender Unternehmer, und Anton (Florian Klinger), der armer der für seine kranke Mutter als Straßenverkäufer Geld verdient, sind Kinder der Gegenwart. Pünktchen langweilt sich vor ihrem Flat-Screen, Anton telefoniert mit dem Handy und googelt. Mit wenigen Mitteln, wie Licht, Geräuschen und Kostümen, verwandeln sich Zimmer in eine U-Bahnstation, ein Theater und gewähren ein Spiel im Spiel.

Ins Zentrum stellt Cornelia Rainer die Figur eines Erzählers (Martin Schwab), der die Gestalt diverser Figuren annimmt. Er ist gleichsam die Achse, um die sich das Geschehen dreht. In kurzen Dialogen, knappen Szenen entwickelt sich die Geschichte gegen Ende der zweieinhalb Stunden zu einer Art Action-Thriller.

Vom genau geführten Ensemble lässt sich nur Gutes berichten. Brigitta Furgler sticht aus dem Ensemble als Haushälterin Berta hervor. Christina Cervenka war kurzfristig für die erkrankte Sylvie Rohrer als Mutter Pogge eingesprungen und erfüllt die Rolle tadellos. Dirk Nocker ist ihr als stressgeplagter Vater Pogge ein idealer Partner. Dunja Sowinetz als Antons kranke Mutter agiert mit der richtigen Dosis an Dramatik. Adina Vetter als Kindermädchen Frau Andacht und Robert Reinagl als Gauner komplettieren in bestem Format.“

(Kurier)„Erich Kästner hätte gewisse seine Freude gehabt. Denn mit der Bühnenadpation des Bühnenklassikers Pünktchen und Anton gelingt dem Wiener Burgtheater die sprichwörtliche Quadratur des Kreises: Großes Theater für die Kleinen“

Denn Regisseurin Cornelia Rainer hat in ihrer Fassung Kästner gut und liebevoll gestrafft, dabei andere Werke wie DAS DOPPELTE LOTTCHEN oder auch Biografisches aus Kästners Leben hinzugefügt und das Ganze sanft in die Gegenwart transferiert. Dass ältere Jahrgänge sich zudem über ein Spiel mit dem Theater auf dem Theater freuen dürfen, ist ein weiterer Pluspunkt. Und dass die Sozialkritik ohne Holzhammer daher kommt, ist auch Atout dieser zweieinhalbstündigen (mit Pause) Produktion, die ohne bombastische ihr Auslangen finden. Wohnung oder Straßen werden da mit Grundrissplänen und wenigen Versatzstücken (Betten, Schreibtisch, Kühlschrank, Bänken oder Flatscreen) angedeutet, auch Sarah Haas (Bühne und Kostüme) setzt auf die Fantasie der Zuschauer. Und Erich Kästner – der lebenswürdig – hinreißende Martin Schwab schlüpft in mehrere Rollen – führt als Spielleiter durch das Geschehen. Reich uund Arm, Gut und Böse – Kästners Plädoyer für ein kindgerechtes, für alles lebenswertes Weltenparadies kommt auch dank eines sicheren Kinderorchesters bestens zur Geltung. Gespielt wird auf sehr hohem Niveau: Vor allem Adriana Gerstner – die Darsteller der Kinderrollen alternieren – ist ein sehr präsentes, quiriliges ja sympathisches Pünktchen. Auch Florian Klingler als Anton und Merlin Milinci als Klepperbein beweisen als Kids von heute viel Talent. Kompliment an alle Beteiligten.

„Mangelware Zeit. Kinder spielen in ‚Pünktchen und Anton‘ im Burgtheater Kasino die Hauptrollen. Die gekonnte Darstellung der Kinderakteure Adriana Gerstner (Pünktchen) und Florian Klingler (Anton), die souverän-sympathische Darbietung von Martin Schwab als Kästners Alter Ego sowie ein 13-köpfiges Kinderorchester garantieren.

Eines haben Kinder aus armen und reichen Familien gemeinsam: Ihre Eltern haben kaum Zeit für sie. Erwachsene arbeiten ständig – entweder um das schiere Überleben zu sichern oder um die Karriere zu beflügeln. Rund um diese Erkenntnis entfaltet sich Cornelia Rainers kurzweilige Inszenierung von Erich Kästners Kinderbuchklassiker PÜNKTCHEN UND ANTON in der Burg-Spielstätte Kasino am Schwarzenbergplatz.

Auf den Bühnenboden sind, wie im Film „Dogville“, Wohnungsgrundrisse und Stadtpläne aufgemalt. Wenige Versatzstücken, etwa großer und kleiner Kühlschrank, illustrieren die Unterschiede zwischen Pünktchens Villenwelt und Antons Armeleutedasein. Bei Kästner erwächst aus der Freundschaft zwischen Kindern aus konträren sozialen Sphären ein Gefühl von Gerechtigkeit, der Kriminalfall ist eher Rahmenhandlung.

Die gekonnte Darstellung der Kinderakteure Adriana Gerstner (Pünktchen) und Florian Klingler (Anton), die souverän-sympathische Darbietung von Martin Schwab als Kästners Alter Ego sowie ein 13-köpfiges Kinderorchester garantieren einen vergnüglichen Theaterabend für Kinder ab sieben, inklusive Happy End.“

„Das ist schon ungerecht, dass Pünktchen im schönsten Viertel der Stadt lebt und Anton im schäbigsten. Damit er und seine Mutter über die Runden kommen, muss Anton neben der Schule auch noch arbeiten. ANTONS MUTTER LEBTE NICHT, heißt es an einer Stelle. Da ist es schon gut, dass Pünktchen ihm dabei hilft und dass ihr Kindermädchen oft Besseres zu tun hat, als auf sie aufzupassen. Cornelia Rainer hat Erich Kästners Kinderbuchklassiker Pünktchen und Anton fürs Theater adaptiert. Kinder spielen hier die Kinder. Martin Schwab ist ein gütiger Schriftsteller, mit weißem Bart, der durch die Erzählung führt und die Musik wird von einem Kinderorchester gespielt. Eine schöne Inszenierung, die auf starke Vorlage vertraut und sehr viel Spaß macht. Ab sieben Jahren.“

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Die jungen Zuschauer zeigten sich den inklusive Pause zweieinhalb Stunden dauernden Abend über stets aufmerksam und am Schluss anhaltend begeistert.

Lars von Triers „Dogville“ werden die jungen Besucher, die am Samstagabend zur Premiere von Erich Kästners „Pünktchen und Anton“ ins Burgtheater-Kasino gekommen sind, wohl nicht kennen; Wohnungs-Grundrisse wahrscheinlich ebenso wenig. Egal. Fest steht: In dieser Inszenierung von Cornelia Rainer ist Fantasie gefragt. Eine erfreuliche Antithese zum gerne mit Ausstattung überladenen Kindertheater.

Nein, das hier ist keine „Schneekönigin“, wie sie Annette Raffalt im Vorjahr mit viel Pomp im nahen Akademietheater auf die Bühne geklotzt hat. Die großbürgerliche Wohnung, in der Pünktchen mit ihren lieblosen und gehetzten Eltern lebt, ist mit weißem Klebeband auf dem schwarzen Bühnenboden skizziert, die Küche ist mit einem Kühlschrank, das Wohnzimmer mit einem Esstisch und das Kinderzimmer mit einem Bett mit provokant darüber stehendem Flatscreen angedeutet. Und auch die vor dem elterlichen Haus liegende Straße heißt einfach „Straße“. Als Kulisse dient die nackte Kasino-Wand.

Die 1982 in Lienz geborene Regisseurin hat ihrer Bühnenfassung des großen Kinderbuchklassikers aus dem Jahr 1931 ein behutsames Facelift verpasst, ohne das Setting zwanghaft in die Gegenwart zu hieven. Zwar nutzen Anton und sein Freund Klepperbein einmal das Smartphone, um die Telefonnummer von Pünktchens Vater herauszufinden, sie betteln um Euros und ärgern sich, wenn sie nur 50 Cent bekommen, das war es dann aber schon auch an Bezügen zum Jetzt. Der Rest ist ohnehin zeitlos geblieben: Den Reichen geht‘s gut, den Armen und Kranken weniger. Kinder sind von Natur aus „gut“ und schlagen arglos Brücken zwischen den sozialen Schichten (zumindest idealerweise).

Und so hält das von seinem Kindermädchen Fräulein Andacht vernachlässigte Pünktchen zu seinem Freund Anton, der für seine kranke Mutter sorgen muss und auf der Straße versucht, Geld mit dem Verkauf von gebrauchten Schuhen und Schnürsenkeln zu verdienen. Und da Pünktchens Eltern sowieso keine Zeit haben, ihrer Tochter Gutenachtgeschichten vorzulesen oder gar mir ihr reiten zu gehen, stopft sie Reitutensilien, Bücher und teure Marken-Klamotten in einen Sack und versucht, das Zeug auf der Straße loszuwerden.

Zusammengehalten wird die geraffte Handlung von der Figur des Schriftstellers, der in der Mitte des Grundrisses über einen Schreibtisch samt Schreibmaschine verfügt und nicht nur zu Beginn in die Handlung einführt, sondern auch mit den Protagonisten in direkten Meta-Dialog tritt. Martin Schwab gibt den warmherzigen, scheinbar allwissenden Herrn mit Gutmütigkeit und einem Hang zur Schusseligkeit. Schwab ist es auch, der in zahlreiche Nebenrollen schlüpft und vom Rendezvous der Haushälterin Berta bis zum Polizisten tapfer einspringt.

Tatsächlich einspringen musste Christina Cervenka für die vor zwei Tagen erkrankte Sylvie Rohrer, die als Pünktchens Mutter vorgesehen war, wie Burgtheaterdirektorin Karin Bergmann eingangs erläuterte. Cervenka gibt die unnahbare, von gesellschaftlichen Verpflichtungen gehetzte Mutter jedoch trotz der Kurzfristigkeit überzeugend, sodass ihr Bühnenehemann Dirk Nocker es gar nicht so leicht hat, den lieblosen Patriarchen voll auszuspielen.

Das Gegenteil eines Kindermädchens, wie man es sich landläufig vorstellt, ist Adina Vetter als Fräulein Andacht, die der Mutter in Desinteresse am Kind wenig nachsteht. Stattdessen schleppt sie die Kleine auf die Straße, um sich mit ihrem zwielichtigen Freund Robert (Robert Reinagl) zu amüsieren, während Pünktchen mit Anton um die Häuser zieht. Adriana Gerstner und Florian Klingler geben an diesem Abend ein selbstbewusstes, spielfreudiges junges Paar ab – auch wenn man ihnen die Klassenunterschiede nicht ganz abnimmt.

Die nicht nur dem Bühnenbild (Sarah Haas) geschuldete düstere Atmosphäre verstärkt Rainer mit dem Einsatz eines Jugendorchesters, das immer wieder auch ins Spiel mit einbezogen wird. Die jungen Musiker, die u.a. mit einem Cello, einem Fagott und einer Trompete auftreten, fügen sich mit ihrer soliden musikalischen Leistung in das rundum überzeugende Ensemble. Trotz der großen Menge an Text und des dringenden Appells an die Fantasie blieben die jungen Zuschauer (ab sieben Jahren) den inklusive Pause zweieinhalb Stunden dauernden Abend über stets aufmerksam und zeigten sich am Schluss anhaltend begeistert. Keine Effekte führen manchmal also doch zum größten Effekt.

Eine spannende Vorstellung abseits von Kinder- und Jugendtheater-Klischees, die gerade deswegen so inspirierend ist.“

„Kleine Kinder und große Weltprobleme. Es gibt nichts Gutes, außer man tut es.“ Der wohl bekannteste Ausspruch von Erich Kästner ist der letzte Satz in der Inszenierung von „Pünktchen und Anton“. Derzeit im Kasino am Schwarzenbergplatz, der Burgtheater-Außenstelle, zu sehen. Cornelia Rainer nicht nur für die Regie, sondern auch für eine neue Dramatisierung verantwortlich.

In ihrer Fassung führte sie die Figur des „Schriftstellers“ in das Geschehen ein. Unschwer ist zu erkennen, dass damit Erich Kästner selbst gemeint ist. Die soziale Kritik, die auch in „Pünktchen und Anton“ vorkommt, ist wahrscheinlich dafür verantwortlich, dass der Autor, der mindestens zwei Kindergenerationen literarisch prägte, derzeit wieder vermehrt im Kulturgeschehen auftaucht. In dem 1931 erschienen Roman lässt er zwei unterschiedliche gesellschaftliche Klassen aufeinandertreffen. Die reiche Familie Pogge, in der die „Pünktchen“ genannte Tochter wohl behütet aufwächst, trifft auf Frau Gast und ihren Sohn Anton. Antons Mutter wurde operiert und muss immer wieder ins Krankenhaus, sodass während dieser Zeit Anton sich in der ärmlichen Wohnung selbst überlassen ist.

Rainer arbeitet bei den Kindern mit Mehrfachbesetzungen. Bei der Premiere schlüpften Adriana Gerstner und Florian Klingler in die Titelrollen. Adriana gab ein hinreißend quirliges Pünktchen, dem ihre gesamte Familie inklusive der Kinderfrau, Fräulein Andacht, nicht Herr wird. Adina Vetter durfte in dieser Rolle ihr komödiantisches Talent zum Einsatz bringen. Vor allem ihr Vertauschen der Vorsilben ver-, ge- und be- war das ganze Stück über nur zu verzücklich! Die Überzeichnung der Charaktere, die viel zum Verständnis von Pünktchens Nöten beitragen, sind für das Ensemble ein Geschenk.

Dirk Nocker, der als Pünktchens überspannter Vater überzeugt, nervt seine Haushälterin, Frau Berta (Brigitta Furgler), mit der beständigen Frage nach seinen Tabletten. Zwei Tage vor Premierenbeginn erkrankte Sylvie Rohrer, die seine Ehefrau spielen sollte. Christina Cervenka, die als Kindermentorin bei der Produktion mitarbeitete, sprang ad hoc ein. Ihre Performance wirkt alles andere als improvisiert. Mal mit Migräne behaftet, mal in Eile auf dem Weg zum Theater, mal besorgt um ihre Tochter, mal ihrem Mann gute Ratschläge erteilend, saß jede Geste und jeder Satz. Sie bewies mit diesem Auftritt nicht nur Nervenstärke, sondern auch ihre schauspielerischen Fähigkeiten. Herausragend, wohl auch da er neben seiner Rolle als Schriftsteller noch zig andere verkörpert, agiert Martin Schwab. Ob als Wachtmann oder als Penner, ob als Chauffeur oder Krankenpflegerin – sein Spiel der so unterschiedlichen Persönlichkeiten macht Riesenspaß. Dabei genügt ihm ein veränderter Tonfall oder ein kleines Kostümattribut und schon schlägt der Theaterzauber von Neuem zu.

Rainer nutzte beinahe die gesamte Bühnenbreite. Der Grundriss der beiden gegenüberliegenden Wohnungen ist am Boden markiert – ein Hinweis auf jenen gezeichneten Wohnungsplan, den Fräulein Andacht im späteren Verlauf der Geschichte für ihren Liebhaber Robert erstellen wird. Robert Reinagl, wie ein Strizzi mit Hut, Einstecktüchlein und rosa Sakko als Frauenverführer herausgeputzt, darf am Ende der Vorstellung in einer ganz anderen Verkleidung die Kinder herzlich zum Lachen bringen. Was das ist, wird hier allerdings nicht verraten. Ein hoher Kühlschrank, ein Bett mit Bettzeug, ein großer Tisch mit Sesseln, ein schwarzes Klavier – damit wird die Pogge-Wohnung markiert. Gegenüber ein Bett, zu Beginn sogar ohne Matratze, ein kleiner Eiskasten und ein Sessel, das ist alles, was Familie Gast hingegen aufzuwarten hat. Der schwarze, große Mülleimer vor ihrer Bleibe markiert das schlechte Viertel, in dem sie wohnt.

Die Regisseurin erzählt die Geschichte zu Beginn in langsamem und gut nachvollziehbarem Tempo. Gut so, denn es dauert eine Zeit, bis man sich auf das gleichzeitige Geschehen von allen Beteiligten auf der Bühne eingesehen hat. Durch die permanente Sichtbarkeit der beiden Wohnungen kann das Leben bei den Pogges und jenes bei den Gasts parallel beobachtet werden. Florian Klinger kämpft als Anton für sich und seine Mutter ums nackte Überleben. Mit feinem Sinn für Zwischentöne gelingt dem Jungen die Darstellung von Verzweiflung und Angst, aber auch einer noch jugendlichen Ausgelassenheit, als er mit Pünktchen in wildem Galopp über die Bühne fegt. Sein Schulkamerad und zugleich Erzfeind, Klepperbein, hat eine gänzlich andere Strategie, um mit dem Leben im Großstadtdschungel umzugehen. Merlin Miglinci schlendert breitbeinig seinem Widersacher entgegen und hat großen Spaß daran, auch die Erwachsenen mit seinen ersten Erpressungsversuchen zu erschrecken.

„Erwachsene im Kindertheater nicht mitzudenken, wäre zu kurz gegriffen“, erklärte Cornelia Rainer in einem Interview. In ihrer neuen Inszenierung beweist sie, wie schon in ihren Arbeiten zuvor, dass sie sich sowohl dem jungen Publikum als auch dessen Begleitpersonen widmet.

Der Einschub eines vertonten Gedichtes, in dem die Nacht in der Großstadt geschildert wird, gerät dabei zur Sozialkritik ganz in Brecht´scher Manier. Für Kinder wird es vielleicht nur atmosphärisch, für die Erwachsenen aber wohl in mehreren Sinnebenen erfassbar sein.

Es sind zwei Elemente, die diese Inszenierung neben den schauspielerischen Leistungen allerdings zu etwas Besonderem machen. Zum einen die Idee, ein Kinderorchester live spielen zu lassen. Es darf mit einem flotten Marsch, einem Walzer oder einer traurigen Elegie auf der Bühne agieren, oder einmal auch direkt von den Zuschauerrängen aus spielen. Ein Solo auf dem Klavier ist ebenso eingebaut wie ein jazziges mit einer Trompete. Der Charme, der von diesen Auftritten ausgeht, ist nicht allein auf die professionelle Darbietung der jungen Musikerinnen und Musiker zurückzuführen. Vielmehr wird damit das Theater als live performtes Gesamtkunstwerk erlebbar, auch was die Musik betrifft. Zum anderen gelingt Rainer mit einem Trick eine Spiel-im-Spiel-Situation. In dieser kurbelt sie gehörig am Tempo, und bringt mit einer Slapsticknummer nach der anderen das Publikum zum Lachen. Auch die Auflösung jener Szene, bei der Frau Berta die Polizei zu Hilfe rufen muss, strotzt nur so vor Witz und Regieeinfällen.

Ob die Familie Pogge nun tatsächliches „Gutes“ tat, im Sinne Erich Kästners geforderter Nächstenliebe, diese Frage bleibt Rainer schuldig. Die Kinder dürfen mit ihren Eltern am Nachhauseweg diskutieren, ob sie Pünktchen und seine Mutter aufgenommen hätten. Oder andere bedürftige Familien; es sind derer nicht wenig, die derzeit in unserem Land Hilfe bräuchten. Eine spannende Vorstellung abseits von Kinder- und Jugendtheater-Klischees, die gerade deswegen auch sehr inspirierend ist.

In der nächsten Spielsaison ist eine weitere Rainer-Inszenierung für Jugendliche im Kasino des Burgtheaters angesetzt: HAMLET, OPHELIA UND DIE ANDEREN.“

„Die Geschichte der in zwei Personen gespaltenen Anna, die auf Geheiß ihrer Familie in amerikanischen Städten Geld für ein Häuschen in Louisiana verdienen muss. Sünde und Tugend, falsches und echtes Gefühl, Verlorenheit und Berechnung sind nicht mehr auseinanderzuhalten, wo der Markt reagiert. Und Liebe? Gibt es die? Nur Unterdrückung. Und über allem Sehnsucht.
Rainer zeigt die bittere Aktualität auf Sarah Haas’ absturzgefährdeter Schräge in perfektem szenischen Tonfall, und den beweist in beiden Werken auch das großartige Kammerorchester Modus 21 unter Erich Polz’ ebenso feiner wie souveräner Leitung. Mona Somm, eine Brünnhilde, Elektra und Lady Macbeth, verblüfft mit authentischem Weill’schem Songstil und Brecht-Kolorit, Korinna Krauss ist ihr bestes Alter Ego. Gut ausgestimmt und köstlich in der bösartigen Scheinheiligkeit der Familie das Vokalquartett Canto­Sonor, professionell das Ensemble.

„Mit wenigen Requisiten – ein Pferdekopf, ein kindliches Holzschwert, Sonnenbrillen, eine Kettenhaube – entwickelt Rainer eine Dramaturgie, die problemfrei die insgesamt 75 Minuten durchhält.Warum nicht einmal (wieder) Johanna von Orleans? Das Stück im Dschungel Wien taugt überraschend gut zur Chiffre für Mädchen von heute.

Gemäß dem Motto, dass es nicht immer Hildegard von Bingen und ihr Alternativ-Esoterik-Schweif sein muss, wenn man feministisch die Geschichte durchkämmt, hat Cornelia Rainer (Text/ Regie) ein namensgleiches Stück verfasst. Wobei, und dies gelingt dem Stück sehr gut: Die gegenwärtige Brisanz der Johanna liegt ZURÜCK im historischen Handeln (ENGLÄNDER AUS FRANKREICH VERTREIBEN) als in ihrer merkwürdig faszinierenden Entscheidung- und Glaubensstärke.

Vier Mal tritt dem Zuseher dieses schlichte Mädchen entgegen: Sophie Aujesky, Sophie Behnke, Anna Lisa Grebe und Louise Knof stellen, ident gekleidet, die Facetten dieses Bauernmädchens dar: wild, zögernd, zweifelnd und zuletzt sehr klar. Johanna, die auch Andrea, Jessica oder Katrin heißen könnte, ist dahingehend sehr gegenwärtig, als im multimedialen Alltag die Frage nach dem „Ich“, der Mut zur eigenen Identität, zum Glauben an eine Sache konstant wichtig ist. Auch ohne „Engländer vertreiben.“ Mit wenigen Requisiten – ein Pferdekopf, ein kindliches Holzschwert, Sonnenbrillen, eine Kettenhaube – entwickelt Rainer eine Dramaturgie, die problemfrei die insgesamt 75 Minuten durchhält. „Johanna“, ist eine überraschend gute Chiffre für Mädchen von heute. Ab elf Jahren.“

Erinnerung an die eigene Zukunft
Der Herbst ist ins Land eingezogen und hält auch im DSCHUNGEL Wiens Theaterhaus für junges Publikum mit einer bemerkenswerten, im Rahmen des Festivals Wien Modern vorgestellten Uraufführung Einzug. Das Musik-Stück DAS MÄRCHEN VOM ALTEN MANN geht auf Georg Büchners in Woyzzeck eingebautes Kunstmärchen ES WAR EINMAL EIN ARM KIND jene rührenden Zeilen über die Suche eines verlassenen Kindes, das statt des ersehnten Mondes, nur totes Holz und statt der Sonne eine verdorrte Sonnenblume findet. Regie führt die Osttirolerin Cornelia Rainer. Verwoben in Rainers Libretto finden sich Motive aus Hans Christian Andersen oder auch Gedichte wie Rilkes HERBSTTAG die von den Sängern, Schauspielern und Musikern des Ensemble Lux ambitioniert umgesetzt werden. Immer wieder illustrieren an Scherenschnitten erinnernde Bildelemente auf den durchscheinenden Stellwänden der Bühne (Fiammetta Horvat) die Suche eines lange Zeit stummen, alten Mannes (Klaus Huhle) nach seiner Vergangenheit. Zu Beginn angsteinflößender Störfaktor einer Kleinfamilienidylle wird der geheimnisvolle Fremde zum Vertrauten und zur Projektion einer Auseinandersetzung mit der eigenen Endlichkeit, den Träumen und Ängsten. Dem engagierten Ensemble und nicht zuletzt der assoziativ mit vertrauten Klängen und „neuen“ Tönen spielenden Musik ist ein altersloses Kinderstück (empfohlen ab 7 Jahren), gelungen, das das junge wie das erwachsene Premierenpublikum sichtlich beeindruckte.

„Es ist ein Kunstmärchen, ohne simple Moralitäten, stattdessen vom Geheimnis und der Poesie belebt. Erzählt wird vom Vergänglichen und jenem besonderen Zustand, wenn sich alte Menschen wieder der Kindheit annähern.“

„Erstklassig alle Darsteller, die uneingeschränkt wortdeutlich agieren, in keinem Moment zu dick auftragen und im Fall der Familie (Anna-Sophie Kostal, Tom Kofler, Florian Stanek) die kurzen Gesänge mit ausnehmend hübschen Stimmen vorzutragen wissen. Fast durchgehend pantomimisch agiert der „alte Mann“ Klaus Huhle teils so berührend und intensiv, dass man sich entsprechender Betretenheit schwer erwehren kann. (…) Lustig ist dieser Stoff zwar nicht, es gibt keine frohe Botschaft und kein Happy End. Und doch und das ist das Entscheidende: Die kleinen Besucher, durchwegs zwischen etwa fünf und zwölf Jahre alt, sind während der 50-minütigen Dauer mit anhaltender Spannung dabei. Sie interessieren sich ZURÜCK für die großen Zusammenhänge als für die Details der Darstellung und die Requisiten. Und nach dem Schlussapplaus tönt eine Vielfalt an Fragen durch den sich leerenden Raum, die zeigen, dass jeder sich so seine eigenen Gedanken gemacht hat und durchaus die verschiedensten, wohl so intendierten Zusammenhänge hergestellt hat.“

„…inhaltlich bleibt eindeutig Prosperos Selbstfindungsprozess, der Kampf um Herrschaft über andere und über sich selbst.“In Rainers Deutung ist dies ein Postulat für die Kraft, Gewalt und Macht der Gedanken, Welten zu erschaffen: Wir sind vom Stoff, aus dem die Träume sind, und unser Leben umfasst ein Schlaf.“

„In diesen fragil wirkenden Klang- und Bildräumen verzichtet Rainer verzichtet auf große Effekte zugunsten der Schauspieler, die sie in den Mittelpunkt rückt.“
„Wissend, resignierend, im Auge des Orkans, Heinz Trixner, der im Prospero die ultimative Rolle seines Lebens gefunden haben dürfte.“

Achterbahn der dunklen Gefühle.
Salzburg – Respektvoller Umgang mit Mensch und Thema: Die Kritik der Uraufführung von „Jakob Michael Reinhold Lenz“

(…) Angesichts der vielen läppischen Regiemoden heute ist Rainers Ansatz des respektvollen Umgangs mit Mensch und Thema eine Wohltat. Ihr und den „Montagnes“ ist Mut zuzusprechen, auf ihrem Weg weiterzugehen.

Bei „Jakob Michael Reinhold Lenz“ folgt vor allem schlicht erzähltes Theater. Per Einblendungen gibt es zunächst Informationen über den historischen Pfarrer Oberlin, der viel für die extrem arme Gegend geleistet hat. In diese bescheidene Idylle der vierköpfigen Familie plus Magd und Scheidecker schneit im Winter 1778 der 27-jährige Fremdling herein. Kluge, fast beiläufige Akzente setzt Rainer da: Der Mann wird zwar aufgenommen, aber der Stuhl wird ihm verweigert. Genauso wie die Suppe. Hocker und ein trockener Brotkanten müssen reichen. Ohne je plakativ zu sein, zeigt die Inszenierung, wie Hierarchie und Armut einst funktionierten. Auch bei guten Menschen. Das war die Falle, aus der Lenz sein Leben lang zu klettern versuchte – ohne jede Hoffnung. 1792 stürzte der ruhelose Außenseiter auf einer Moskauer Straße tot zu Boden.

Im Steintal rast Lenz zwar durch die Achterbahn seiner dunklen Gefühle – sieht jedoch die Gefahr und will zur Ruhe kommen. Er, der Sohn eines livländischen Pfarrers, und Pfarrer Oberlin treffen sich im Gebet – auch im knorrigen Kirchenlied und elegischen Volkslied (der Schweizer). Mutig pocht die Regisseurin immer wieder auf diese uns heute so fremd gewordene Kraftquelle. Arbeitet heraus, dass Großmut und Kleinlichkeit im christlichen Glauben koexistieren und einander bekämpfen, denunziert aber nie den biederen Oberlin (Manfred Böll) oder die anderen.

Im feinen (Wider-)Spiel von Markus Meyers Lenz spiegelt sich die Hilfsbereitschaft, aber auch die Beschränktheit der (Ein-)Heimischen/Angepassten dem totalen Fremdling gegenüber. Es ist schön zu sehen, dass Meyer seine Figur nicht zukleistert mit theaternden Klischees von Geisteskranken. Er gibt diesem Lenz vielmehr ein zartes Entgegenkommen, ja Nachgiebigkeit, ein genaues Wahrnehmen der anderen – und dann wieder Ausbrüche, Einbrüche und Zusammenbrüche.

Lenz im ausweglosen Irren.

(…) Die 30-jährige Rainer nutzt den Büchner-Text als Ausgangslage. Im Büchner-Setting will sie das Gesamtdrama dieses unruhigen Lebens sichtbar machen. Sie tut das, in dem sie einen ewigen Konflikt zwischen einem irre Anrennen und einem massiven, starren Gesellschaftssystem schildert.

Dafür baut sie auch historisches Material ein, etwa Originalzitate aus Predigten Oberlins. Herauskommt ein fein gebauter, mit subtilen Mitteln und einem betörenden Soundtrack arbeitender Theaterabend, der sich als Parabel davor hüten möchte, für eine Seite Partei zu ergreifen. Zu spüren aber ist doch eine Zuneigung zu Lenz. Über den aber ist kein gutes Ende zu erzählen. Lenz wird sterben, einsam in einer Mainacht in Moskau. Exemplarisch für diesen Weg ins Nichts nimmt Rainer die Zeit bei Oberlin, wo sie ihn ringen lässt mit einem womöglich heilsamen Glauben an eine fest gefügte, göttliche Ordnung und seinem Drang nach Selbstbestimmung, seinem auch selbstzerstörerischen Irrsinn.

Am Ende, die brave Familie hat ihn weggeschickt (oder ging er von alleine?), räumt zusammen was verwüstet wurde, liegt er am Bühnenboden, tot, verloren, vergessen. So lag er schon da als man in den Saal kam. Dazwischen erweckt ihn Markus Meyer, behutsam und tobend zum Leben. Ihm gegenüber steht Manfred Böll als Oberlin, dessen Strenge und Glaubensfuror samt der Unterwürfigkeit seiner Familie bisweilen recht steif daherkommt.

Rainer zeigt – ohne Aufregung, aber eindrücklich und fein durchkomponiert – ein Leben, das zerbricht, weil für Wanderer auf der Suche nach einer Heimat für ihr Selbst, nur schwer ein Platz zu finden ist – wenn überhaupt.
Dafür gab es langen, heftigen Applaus.

Literatur und Theater. Fulminanter „Lenz“.
Cornelia Rainer zeigt beim Young Directors Project in Salzburg ein 100-Minuten-Furioso über den Sturm-und-Drang-Dichter Lenz – mit Markus Meyer als brillantem Protagonisten.

Eine Hochschaubahn aus Holz umrahmt die Bühne im Salzburger Republic: „Montagnes Russes“ hieß diese Rummelplatzattraktion in alter Zeit. So nennt sich auch die Gruppe, die seit Freitagabend beim Young Directors Project der Salzburger Festspiele die Uraufführung „Jakob Michael Reinhold Lenz“ zeigt. Der Pfarrerssohn und Dichter Lenz (1751–1792) verehrte Goethe, der ihn aber fallen ließ, weil Lenz sich der Hofgesellschaft nicht angemessen gekleidet präsentierte. Lenz verliebte sich in Goethes Freundin Friederike Brion, seine Leidenschaft blieb jedoch unerwidert. Lenz litt. Er gilt als Säulenheiliger wilder Künstler, sein bekanntestes Werk ist „Der Hofmeister“, den Brecht bearbeitete. Büchner schrieb über Lenz eine Novelle, in der er ein fundamentales Problem der Kunst abhandelt: Wie kann sie der Realität gerecht werden? Oder kann sie diese nur nachahmen?

„Sturm und Drang“ ist heute eine etwas staubige Station des Schulunterrichts – wiewohl sich ein Stürmer und Dränger der Moderne einer permanenten Renaissance erfreut: „Der Spiegel“ widmete Hermann Hesse eine Titelgeschichte. Tatsächlich widmete sich die Sturm-und-Drang-Bewegung Themen, die uns noch heute beschäftigen: Die Einsamkeit des Genies, des unkonventionellen Denkers, die Freiheit des Menschen, die Bedeutung der Religion.

Europa in der Krise. Zwei Jahrzehnte vor der Französischen Revolution stellten führende Intellektuelle wie Goethe oder Schiller im kleinstaatlichen Deutschland die Frage nach den Grenzen, Mängeln von Aufklärung, Verstand, Vernunft. Sie begeisterten sich für das reine Gefühl und attackierten den Feudalismus. Alle diese gesellschaftlichen Verwerfungen schimmern im Drama „Lenz“ durch.

Diese Kreation erfüllt nicht nur den Bildungsauftrag, sie ist künstlerisch außerordentlich gelungen und blendend besetzt.
Die 1982 in Lienz, Osttirol, geborene Cornelia Rainer, die auch Musikerin ist bei der witzigen Musicbanda Franui, die den Begriff Volksmusik dehnt und verfremdet, begab sich auf Spurensuche in den Elsass, wo Lenz 1778 drei Wochen beim protestantischen Pfarrer Oberlin und seiner Familie Station machte, um seine seelischen und geistigen Probleme zu lösen, zur Ruhe zu kommen.

Im kargen Steintal durchlebt Lenz, trotz der Fürsorge und des geistlichen Beistands der Pfarrersfamilie, eine schwere Krise. 41-jährig stirbt er später in Moskau auf der Straße. Schon das Eröffnungsbild der Aufführung ist grandios: Lenz liegt, schreibt dann manisch auf den Boden, während eine Trommel seine inneren Stimmen illustriert. Der Trommler klöppelt wie prüfend das Gerüst der Hochschaubahn ab, der Wirbel schwillt auf und ab, bis er das Ohr peinigt. 
Aurel Lenfert (Bühne, Kostüme) hat mustergültig das Ambiente der damaligen Zeit rekonstruiert: vom Talar des Pfarrers über die Töpfe mit Kartoffeln bis zur Wasserbadwanne auf dem Holzherd.

Ringen mit Gott. Markus Meyer ist als Lenz hinreißend: einmal grämlich, einmal überschäumend, gepeinigt vom Zwiespalt zwischen absoluter Freiheit, einer bürgerlichen Existenz und Glaubensverlust, quält sich der Gefährdete ab, springt in kaltes Wasser, stürzt sich aus dem Fenster und hängt schließlich gar verkehrt vom Gerüst der Hochschaubahn. Es schien ja kaum möglich zu sein, dass Meyer, Burgschauspieler, u.a. in Bosse- und Breth-Inszenierungen zu sehen, seine Meisterschaft in der Gestaltung androgyner, nervöser junger Männer (Cassio, Dorian Gray) übertrifft, aber es sind immer noch Steigerungen möglich. Phänomenal.

„Übervater“ Oberlin (Manfred Böll) versucht seinen Schützling zu bändigen, er gleicht Lenzens Vater, aber auch dem Idol Goethe. Ein neuerlicher Bruch in Lenzens Leben, bestimmt vom Aufbegehren gegen die alte Ordnung, ist psychologisch unausweichlich. Oberlin „kuriert“ freilich mit der Seelsorge auch seine eigenen Gefährdungen, Ehefrau (Gertrud Roll) und drei Söhne stabilisieren ihn. Für die Magd (Karoline Niederhuber) ist der ekstatische Eindringling schlicht der Teufel.

Endlich einmal wird auf einer Bühne der Glaube, die Religion als geistige Kraft ernst genommen und nicht lächerlich gemacht. Dadurch stimmt nicht zuletzt die dramaturgische Gewichtung. Lenz entfernt sich, obwohl er das nicht will, immer weiter von Gott, und als er zurückkehren will, stellt er fest, dass dies unmöglich ist. Das ist völlig moralfrei dargestellt – und der Weg vieler „Fernstehender“ heute.

„A star is born“, könnte man über Cornelia Rainer sagen, allerdings hat sie schon vieles gemacht, auch inszeniert, im Burgtheater-Vestibül, im Hamburger Thalia Theater. Dieser „Lenz“ besticht nicht nur durch Genauigkeit in der Milieuschilderung, großartig musikalisch untermalt mit alten Weisen(„Wer nur den lieben Gott lässt walten“), er ist ein Gesamtkunstwerk über eine wichtige Epoche Europas: ideenreich, aber nicht kopflastig, unsentimental, aber nicht steril-kalt, luftig, stimmig, klug.

Ein wunderbares Stück und vier super Schauspielerinnen, die sich sozusagen eine Rolle teilen und sie aber gleichzeitig vervielfachen, schier unendlich, nämlich allgemeingültig machen. Und wunderbar zusammenspielen – ob in den gemeinsamen chorischen Szenen oder jenen, wo sie nicht synchron, aber exaktest getimt, ineinandergreifend spielen, ob beim Eintauchen in die uralte und doch moderne Vorbild- oder die aktuelle Johanna.

Wofür lohnt es sich zu kämpfen?
Ansatzlos switcht die Figur von der historischen Jeanne d’Arc (Johanna von Orleans, Jungfrau von Orleans) zu einem heutigen ca. 12-jährigen Mädchen namens Johanna. Trotz 600 Jahren, die dazwischen liegen, ist ein Bündel an Grundfragen nicht so viel anders: Wer bin ich? Auf wen höre ich? Woran glaube ich? Woher komm ich und wo will ich hin? Und nicht zuletzt warum?

Vier sind eine und doch viele
Eine Art Drehbühne steht in der Mitte der Bühnenfläche, darauf liegt eine Frau. Drei weitere liegen – in sehr ähnlicher Position – auf dem Rest der Bühnenfläche – außerhalb des Runds – auf dem Boden. Sie alle vier werden zur Johanna – verschmelzen. Alle vier sind die eine Johanna, das heißt eigentlich die zwei Johannas, die Jeanne vor 600 Jahren in Frankreich und die Namenskollegin hier und heute.

Du kannst nix und musst alles
Zu Beginn prasseln aus dem Off so „wunderbare“, leider viel zu vielen Kindern und Jugendlichen bekannte Sätze wie „du kannst das nicht, du bist zu dumm, zu klein, zu groß, zu dünn, zu dick….“ und dergleichen mehr auf sie ein. Cut. Nächster Sager: „Morgen ist ein großer Tag für dich, an dem sich entscheidet, ob du aufsteigst oder untergehst!“ Super vor dem Hintergrund der ersten elterlichen oder lehrerlichen – wer weiß – Erniedrigungen. Schule und was in ihr und für sie gelernt wird/werden muss wird in der Folge von den Johannas in Frage gestellt. „ich frag mich, wann mit der Wahrscheinlichkeitsrechnung endliche einmal die Wahrscheinlichkeit berechnet wird, wie oft man die im Leben auch wirklich braucht!“ Konterkariert wird das schulische Wissen mit lebenspraktischen Herausforderungen, beispielsweise in Liebes- und Freundschaftsdingen. Oder im Fall von Bewerbungsschreiben – wo die Anforderungen – jung und doch jedenfalls schon viel praktische Erfahrung haben zu sollen, wie sie im Wirtschaftsleben immer häufiger vorkommt – thematisiert werden.

Aufbruch oder Mittelmaß?
Vom Aufbruch der selbstbewussten, außergewöhnlichen Jeanne d’Arc, die den französischen König auffordert, ihr Soldaten zu geben, damit sie gegen die Engländer in die Schlacht ziehen kann, wird der Bogen zur heutigen Johanna geschlagen, die sich fragt, wofür es sich heute überhaupt lohne in den Kampf zu ziehen. Und die fast schon resignierend feststellt: „Mittelmaß ist die neue Religion!“, um sich dann doch wieder aufzuraffen und zu rufen: „Hallo Welt, ich will dich verändern!“. An dieser Stelle klingt das allerdings noch ein bisschen ironisch. Nach einem Diskurs über Religion und Glaube und dem Philosophieren über Realismus und Träumerei kommt sie zu guter Letzt – ähnlich dem Fabelwesen im Kinderbuchklassiker „Das kleine ich bin ich“ – zum Schluss, einfach sie selbst sein zu wollen. Johanna beschließt am großen Tag der Entscheidung, den Kampf um ihr Leben anzunehmen.“

„Die sehr junge, seit 2005 als Regieassistentin am Wiener Burgtheater tätige Cornelia Rainer hat dem Burg – (und früher mal auch) Thalia-Star Sven Eric Bechtolf offenbar so viel Vertrauen eingeflößt, dass er den Kraftakt riskiert hat. Das „Solo eines Königs“ ist ein Vorschlag und kein schlechter. Brechts altes (und gutes) Fragespiel, ob wir Shakespeare bearbeiten können (Antwort: Ja, WENN wir es können!), wird äußerst positiv beschieden.“

„Es war ein rauschender Empfang: Sven Eric Bechtolf kehrte nach gut zehn Jahren ans Thalia Theater zurück: als Richard II. Das macht Ex-Burg-Schauspieler Bechtolf in der Regie von Cornelia Rainer so überzeugend, dass es als Belohnung anhaltenden Applaus gibt.“

„Das untrügliche Tempogefühl, das Rainer 90 Minuten lang beweist, sowie die erstaunliche Prägnanz, mit der sie selbst kleine Szenen gestaltet, lässt keinen Zweifel daran: mit dieser Regisseurin ist zu rechnen.“

„Die den Raum immer mit Witz und Verstand füllt und manchmal mehr als der Autor zu wissen scheint, was sie mit jeder Figur anfangen kann und soll.“

„Ein Abend, der nachwirkt. Lang anhaltender Schlussapplaus, Bravo-Rufe und eine musikalische Zugabe beendeten den kurzweiligen KAZ-Auftakt.“

Geglückte Liebe im Kontext zur Musik sprechen ältere Menschen aus dem Raum Bregenz als Laiendarsteller − quasi aus dem Publikum heraus − berührende, einfühlsame Texte, die sich retrospektiv verdichten zu berührenden Lebens- und Liebesgeschichten.“

„Unter der Regie von Cornelia Rainer geht es in den Texten um die Bandbreite menschlicher Emotionen, Partnerverlust und Sehnsucht nach längst vergangenen Zeiten sind immer wiederkehrende Themen. Die Texte sind faszinierend, genug, um einen zu Tränen zu rühren und dann wieder zum lauten Lachen zu bringen. NUR EIN GESICHT ist weder eine Oper, noch ein Musical oder ein Konzert. Es ist überaus unterhaltsam, bezaubernd und bittersüß. Das Publikum spendete Riesenapplaus.“

„plus null komma fünf Windstill liefert nicht nur den Wetterbericht, sondern ein Panorama des Verschweigens, der stockenden Dialoge und der Entfremdung zwischen den Generationen. Auf den schmalen Sesseln des Burgtheater Vestibüls erweist sich die körperliche Nähe zum Sitznachbar schließlich als ebenso beklemmend wie die Distanz zwischen den Bühnenfiguren.“

„Cornelia Rainer interpretiert das Erfolgsstück der finnischen Autorin Maria Kilpi als Wechselspiel zwischen Distanz und Nähe. Die Protagonisten ähneln Sprachrobotern, die sich einen heftigen Schlagabtausch liefern und dennoch aneinander vorbei reden. Cornelia Rainer liefert eine überzeugende österreichische Erstaufführung. Das Publikum dürfte dies, gemessen am Applaus, genauso empfunden haben.“

„Cornelia Rainers Text, aus zahlreichen Gesprächen gespeist, ist durch die Banalität des Alltags oft spröde, durch Metaphern des Wartens und Wiederkehrens zugleich leise und poetisch.“

„Tauben sind vielleicht gar nicht so blöd.“